0903) Os Construtores do Templo (7.2.2006)

A Maçonaria é tida como uma Sociedade Secreta, embora hoje seja descrita como uma sociedade civil com certas formalidades vedadas ao público em geral. (Descrição que poderia servir também para alguns conselhos de acionistas de Bancos, por exemplo) Como sociedade secreta, no entanto, ela não parece ter o mesmo charme romântico de outras como os Illuminati ou os Templários medievais, que têm rendido numerosas obras literárias, das quais o Código da Vinci é o exemplo mais recente. As únicas obras narrativas de que me lembro envolvendo a Maçonaria são a noveleta O Homem que Queria Ser Rei de Kipling (filmada por John Huston, com Sean Connery e Michael Caine como dois ingleses maçons que descobrem um reino perdido nos confins do Oriente) e A Flauta Mágica, ópera de Mozart, filme de Ingmar Bergman.

A estes, junta-se a “Trilogia do Templo” de Z. Rodrix, o camaleônico músico do “Som Imaginário”, do “Joelho de Porco” e do trio Sá, Rodrix & Guarabira, co-autor de “Anos 60”, “Casa no Campo”, “Mestre Jonas”, “Blue Riviera”... Canções que hoje me parecem tão antigas quanto o Templo de Salomão (e que talvez durem mais do que ele).

Johaben – Diário de um Construtor do Templo (Ed. Record, 2005) é o primeiro volume da trilogia, e conta os altos e baixos da vida de Johaben de Tiro, um garoto fenício que passa por uma montanha-russa de glórias e desgraças, em reviravoltas folhetinescas dignas do Conde de Monte Cristo ou do Rocambole. Mais importante do que as peripécias do enredo, contudo, é o lento e sofrido processo de aprendizado de Johaben, que de escravo nas pedreiras de Salomão passa a pedreiro e a construtor.

Ao que parece, foi durante a construção do Templo que certos rituais e preceitos da Maçonaria de hoje se cristalizaram. O “Diário” pode ser lido como um romance histórico (o autor disseca o ambiente histórico, geográfico e religioso da época, além das técnicas de mineração, construção, artes e ofícios), um épico bíblico, e também como um romance iniciático, porque mais importante do que a construção do Templo feito de pedra e de metais preciosos é a construção interior do “templo” da personalidade de Johaben, personagem instável, “capaz de horrores e de ações sublimes”. Neste sentido, há um notável paralelo entre a Engenharia Antiga e a Alquimia Medieval conforme vista por Jung. Todos aqueles infindáveis processos de refino e depuração dos metais para criar a “Pedra Filosofal” e transformar o chumbo em ouro eram (para Jung) um mero pretexto externo para desencadear a formação interna de uma personalidade baseada na observação da Natureza, na paciência, na ação, na determinação, naquela fórmula que os místicos medievais sintetizavam em: “Saber; poder; ousar; calar”.

É um livro de fluxo alternadamente narrativo e descritivo, repleto de informações curiosas. Embora não seja propriamente um romance fantástico, lembra a fantasia rigorosa de Ursula LeGuin ou Gene Wolfe.

0902) Canções de infância (5.2.2006)

(Peter Bruegel)

São aquelas canções em que o letrista recorda (em geral com nostalgia) aspectos de sua infância. Constituem um gênero à parte, porque embora todo mundo tenha tido infância parece que os sujeitos metidos a poeta são mais propensos a endeusar a sua. Vai daí que as canções de infância tenham um vasto cancioneiro na MPB (e certamente por aí afora). 

Talvez a mais típica delas seja a de Ataulfo Alves em que ele relembra seus dias de menino “no meu pequenino Miraí”, e que já comentei nesta coluna (“Eu era feliz e não sabia”, 23.8.2005). 

A canção de Ataulfo é meditativa e filosófica, mas grande parte das canções de infância são fascinadas enumerações de tudo aquilo que nos deleitava e que já não podemos fazer, porque somos homens barbados e cheios de responsabilidades. Vejam o saudosismo de Chico Buarque em “Meus Doze Anos” (da “Ópera do Malandro”): 

Ai que saudade que eu tenho dos meus doze anos 

que saudade ingrata 

dar banda por aí fazendo grandes planos 

e chutando lata. 

Trocando figurinha 

matando passarinho 

colecionando minhoca; 

jogando muito botão 

rodopiando pião 

fazendo troca-troca. 

O elenco de travessuras é tipicamente urbano (e nesse sentido a fictícia infância do personagem carioca não difere muito da dos garotos de meu tempo em Campina Grande). 

Mas veja-se o velho e imbatível Pinto do Monteiro, o Rei do Repente, nascido em 1895, lembrando sua própria infância num tom não muito diverso do de Chico: 

Ovo de pato e marreca 

quebrar em beira de poço 

abrir milho na boneca 

pra ver se tinha caroço 

ir pra beira da estrada 

jogar pedra e dar pancada 

em cabra, bode e suíno; 

em cachorro pontapé 

que isso tudo foi e é 

brincadeira de menino. 

Menino? Devagar com o andor, que o santo usa saia! Gal Costa popularizou no país inteiro a canção “Teco Teco” de Pereira da Costa e Milton Vilela: 

Teco teco teco teco na bola de gude 

era o meu viver 

quando criança no meio da garotada 

com a sacola de lado 

só jogava pra valer 

não fazia roupa de boneca 

nem tampouco convivia 

com as garotas do meu bairro 

que era natural; 

subia em poste, soltava papagaio 

até meus catorze anos era este o meu mal. 

Mal coisa nenhuma: são as coisas boas da vida. Quer ver, pergunte a Jackson do Pandeiro e Martinho da Vila, que gravaram o clássico de Edgar Ferreira, “Tempo de Menino”: 

Eu que fui menino pobre 

e me criei na estrada 

carreguei frete na feira 

joguei lebre na calçada 

levei bilhete do rapaz pra namorada... 

Só não fui guia de cego, ai ai ui ui 

mas fui craque na pelada... 

Caberia talvez um estudo sociológico que colocasse todas essas brincadeiras lado a lado como no famoso quadro de Peter Bruegel “Children’s Games” (1560) onde ele recenseia as brincadeiras da Europa do seu tempo, mostrando dezenas de garotos numa rua larga demonstrando dezenas de travessuras. Deve existir algo nessas brincadeiras que as torna inesquecíveis.

0901) Weltanschauung (4.2.2006)

(ilustração: Peter Cicariello)

Não, coleguinhas, não foi uma gralha tipográfica nem um vírus internético que interferiu no título. Esse troço aí em cima é uma palavra. Para ser mais preciso, uma palavra alemã que está na raiz da Filosofia mundial. 

Chamem-me de paleozóico, mas quando eu tinha vinte anos não líamos um suplemento literário ou uma crítica de cinema sem que esta encartolada palavra surgisse à porta do texto, bengala em punho, imponente como uma estátua de bronze. 

“Weltanschauung” era livremente traduzida por “visão do mundo”. Era algo que todo cineasta tinha que ter, todo poeta tinha que ter, e mesmo nós, imberbes cineclubistas e leitores, nos sentíamos obrigados a ter – e nos desesperávamos por temer que não tivéssemos. 

Vai ver que era por isso (pensava eu, coçando a cabeleira revolta que me valia ser chamado de “Cabeludo do Amazonas!” quando passava na Rodoviária) que as garotas não queriam saber da gente, e só saíam com aqueles caras ao volante dos Karman Ghias. Não dava mesmo para concorrer: eles tinham um Karman Ghia, e nós não tínhamos uma Weltanschauung.

Cada povo tem sua visão do mundo. Muitas vezes usa-se o termo Weltanschauung para se referir a um conjunto de crenças religiosas e de teorias políticas. Sem desprezar a importância dessas duas dimensões mentais, é preciso perceber que tanto os indivíduos quanto as sociedades parecem possuir uma espécie de gramática básica que impregna todo o seu modo de enxergar a realidade. 

Existem, por exemplo, culturas lineares, onde se tem como natural que os acontecimentos (desde a existência individual até a do Cosmos) sigam uma linha evolutiva, um percurso do tipo começo-meio-fim; e existem culturas cíclicas, onde se vê o mundo como um incessante renovar dos mesmos processos. 

Estas diferentes visões do mundo, na Cosmologia moderna, resultaram nas duas principais hipóteses sobre a criação do Universo: a do Big Bang, em que tudo teve um começo e deverá ter um fim (hipótese predominante hoje), e a do “steady state”, ou “estado estacionário”, em que o Universo tem uma existência permanente, mas se expande e se contrai como se estivesse pulsando.

Grandes artistas são aqueles cuja obra nos transmite a impressão de que eles têm uma visão do mundo própria, uma maneira profunda e peculiar de entender o que está à nossa volta. 

Essa visão pode ser lúgubre e pessimista como a de Samuel Beckett, pode ser lúdica e apaixonada pelo mundo como a de Julio Cortázar, irônica e introvertida como a de Machado de Assis, circense e exuberante como a de Fellini, analítica e sagaz como a de Brecht. 

Artistas assim não se impõem apenas pelo talento que demonstram possuir, mas pelo fato de que mesmo as suas obras menos bem acabadas, os seus momentos mais medíocres, estão todos no mesmo tom das suas melhores obras. A obra, como um todo, em seus melhores e piores momentos, expressa uma concepção pessoal sobre o mundo, a existência humana, e o papel que estamos desempenhando aqui.

0900) Cantando Ciência (3.2.2006)

A Fiocruz, através do Centro de Estudos do Museu da Vida, acaba de lançar em parceria com a editora Vieira & Lent o livro Cordel e Ciência – a Ciência em Versos Populares. 

(Para informações e encomendas, o email da editora é editora@vieiralent.com.br, e o telefone 21-2262-8314). 

A antologia tem 22 folhetos ligados ao tema, organizados em quatro partes: 

1) “Os Cientistas” (pequenas biografias de Hipócrates, Galileu, Kepler, Santos Dumont, etc.);

2) “No espaço” (folhetos com histórias de viagens espaciais); 

3) “Pela saúde” (folhetos como “O poder das plantas na cura das doenças”, “Cartilha do Diabético”, etc.); 

4) “Meio Ambiente” folhetos sobre a fauna e a flora brasileiras.

Os folhetos são assinados por cinco autores: Edmilson Santini, Eugênio Dantas de Medeiros, Gonçalo Ferreira da Silva, Manoel Monteiro, e Raimundo Santa Helena. 

Os organizadores são Ildeu de Castro Moreira (Instituto de Física da UFRJ), Luisa Massarani e Carla Almeida (Museu da Vida/Fiocruz). 

Na apresentação os organizadores destacam a importância de mostrar o modo como a poesia popular repassa informações e conceitos científicos para a população. Como sabem os leitores do cordel, é ponto de honra para o poeta-de-bancada repassar informações importantes para seu público, embora evidentemente seu ofício não se limite a esta função. 

Mas quando essa ação é necessária, o cordelista vai às enciclopédias, aos jornais, às bibliotecas, onde quer que estejam as informações; e de posse delas faz a transcodificação para o idioma das sextilhas, cuja cadência mnemônica é meio-caminho andado para o entendimento e a aceitação.

Existe uma expressão tradicional na Cantoria de Viola: “cantar ciência”. Não quer dizer propriamente cantar sobre assuntos científicos. É cantar (ou, no caso do Cordel, escrever) informações acumuladas sobre um assunto: História Sagrada, nomes de peixes, Mitologia Grega, jogos da Seleção, nomes de rios, listas de Presidentes... Cantar ciência é codificar informação em estado bruto, para que não se perca.

São os dois lados da poesia popular. A informação e a imaginação. A “ciência” e a poesia. 

Há um episódio célebre na Cantoria, do desafio entre Romano do Teixeira e Inácio da Catingueira, em 1870. Romano branco e culto; Inácio ex-escravo e analfabeto. Cantavam (reza a lenda) ao longo de três dias, e permaneciam empatados. Aí Romano disparou um verso enumerando deuses da mitologia, e Inácio encerrou o desafio, dizendo que não podia acompanhar o mestre em “cantar ciência”. 

Graciliano Ramos, em Viventes das Alagoas, mete o chanfalho em Romano, dizendo que era um pretensioso metido a intelectual, e afirmando que preferia a poesia pura de Inácio. 

Tem razão por um lado, mas o assunto não morre aí. Quando o talento se equivale, é o conhecimento que desequilibra. E já que não podemos conferir talento a ninguém... difundir informações não custa nada. E cantar Ciência é uma coisa tão bonita!

0899) Mistério no World Trade Center (2.2.2006)

(A CNN noticiou a queda do WTC7 quando ele ainda estava de pé)

Circula na Internet um documento (cheguei até lá através do utilíssimo saite Metafilter) que coloca novamente em discussão as numerosas histórias mal-contadas em torno dos atentados de 11 de setembro. 

O leitor há de lembrar aquela teoria de um francês, Thierry Meyssan, para quem o Pentágono jamais foi atingido por um avião naquele dia (e de fato, até hoje vi dezenas de fotos do Pentágono em chamas e parcialmente destruído, e não aparece nada de avião). 

Pois bem, agora surge uma outra série de dúvidas envolvendo outro prédio: o World Trade Center 7, um dos edifícios do complexo em volta das Torres, que desabou na tarde de 11 de setembro.

Vamos recapitular. 

O WTC era na verdade um complexo de sete edifícios numerados, sendo que as Torres Gêmeas eram WTC1 e WTC2. O 3 era o Marriott Hotel, o 4 e o 5 eram os edifícios Plaza (Sudeste e Nordeste), o 6 era a U. S. Custom House, de oito andares, e o 7 era o chamado “Anexo 7”, de 47 andares. 

De todo este complexo, apenas três edifícios desmoronaram totalmente: a Torre Sul desabou às 10:05, a Torre Norte às 10:28, e o WTC7 desabou sete horas depois. Por que? 

Ele não foi atingido por aviões. Era sustentado por 57 colunas dando volta ao seu perímetro, e por mais 24 colunas situadas no “miolo”. Delas, apenas doze e três, respectivamente, sofreram algum dano. E no entando, sete horas depois da queda das torres gêmeas, o WTC7 veio abaixo em sete segundos, e de forma retilínea, vertical.

Segundo o estudo de Steven V. Jones, da Brigham Young University (que pode ser integralmente lido aqui: http://www.physics.byu.edu/research/energy/htm7.html) as aparências sugerem que o edifício foi implodido por cargas de explosivos. Há longas análises técnicas, numerosas fotos, e alguns vídeos que dão o que pensar (pequenas erupções de fumaça que de fato parecem cargas explosivas sendo acionadas durante o desmoronamento). 

Jones sugere que o mesmo processo pode ter sido posto em prática nas Torres Gêmeas, sob o disfarce do incêndio provocado pelo choque dos aviões. Outro indício é a presença de metal derretido, ainda líquido, nas ruínas no prédio, vários dias depois da tragédia; algo inexplicável, se atribuirmos o desmoronamento ao abalo produzido pela queda das duas torres.

Uma das questões levantadas por Jones é: Por que motivo terroristas tentariam fazer os prédios caírem de maneira tão simétrica, vertical, poupando os prédios em volta? E como teriam acesso prévio para a colocação de dezenas de cargas de explosivos? Jones exige a liberação de 6.899 fotos e 6.977 segmentos de vídeo que o National Institute of Standards and Technology e o FBI detêm. 

Não estou dizendo aqui que foram os próprios americanos que derrubaram seus prédios. A humanidade já produziu muitas barbaridades mas não creio que um dia chegue a esse ponto. O que digo é que em matéria de história mal-contada por um governo essa está batendo todos os recordes.

0898) Ainda o artista japonês (1.2.2006)

(Instalação de Yuri Firmeza)

Autor da “pegadinha” em que propôs ao Museu de Arte Contemporânea de Fortaleza uma exposição de um artista japonês fictício, o artista cearense Yuri Firmeza foi até leal com a imprensa, porque o nome do artista (Souzousareta Geijutsuka ) pode ser traduzido por “artista inventado”, e o nome de sua exposição, “Geijitsu Kakuu”, por “arte e ficção”. Seu artifício mostra o terreno escorregadio onde artistas e críticos caminham hoje em dia. É aquela história: no começo é fácil mentir, porque todo mundo acredita em tudo; daqui a pouco será impossível dizer a verdade, porque ninguém acredita mais em nada. Se o propósito era mostrar a credulidade da imprensa, deu certo, mas talvez às custas da credibilidade do próprio artista.

Não me refiro apenas ao Firmeza e à imprensa do Ceará. Existe hoje em dia um movimento (informal, sem centro, sem liderança, gerado no boca-a-boca e na contaminação recíproca de inquietações e interesses) no sentido de supervalorizar a importância do Discurso; e um movimento contrário, mas de dinâmica muito parecida, no sentido de exagerar essa importância até o ridículo. No primeiro caso, temos um Cordão Azul dos artistas da linha Marcel Duchamp, que se afirmam pela ousadia, originalidade ou complexidade do gesto teórico que define suas obras. Estas, materialmente, podem nem ser grande coisa: uma roda de bicicleta, um punhado de tijolos, uma coleção de cinzeiros furtados, um quadro lambuzado de merda... “Isto é Arte?”, espanta-se a platéia. E o Discurso responde-lhe que sim, e responde tão bem que eu, pelo menos, saio convencido em metade dos casos.

Na outra metade não me convenço coisíssima nenhuma, e dou razão ao Cordão Encarnado, para quem o Discurso é uma forma de exercício do poder, e precisa ser desmascarado, exposto, carnavalizado, virado pelo avesso. A “pegadinha” urdida por Firmeza não teve como finalidade a criação de uma obra, mas a geração de uma turbulência no Discurso, entendido aqui como um feixe de discursos menores: a crítica especializada, os critérios para aprovação de projetos, o mercado-de-câmbio conceitual entre diferentes culturas (3o. Mundo e 1o. Mundo), e a própria reiteração de clichês do discurso artístico.

O perigo, neste último caso, é que como grande parte da Arte de hoje repousa unicamente no Discurso (porque a rigor nada a filia à Arte tradicional: pintura, desenho, artesanato, técnica, etc.) corre-se o risco jogar fora o bebê junto com a água suja da bacia. Quando o físico Alan Sokal produziu uma sátira aos “papers” acadêmicos e a publicou numa revista especializada, foi como se sugerisse que o mundo inteiro estava falsificando cheques, inclusive quem tinha fundos. Toda obra de arte é um cheque. Seu valor está na assinatura, e na crença de que o signatário do cheque tem fundos no “Banco Universal das Idéias”. Quando mostramos o quanto é fácil falsificar um cheque, permanece intocada a questão de que alguns têm saldo nesse Banco, e outros não.

0897) O mistério do artista japonês (31.1.2006)

(Yuri Firmeza)

Deu no “Globo” no último dia 23, mas eu já sabia, porque sou leitor da coluna de Ricardo Kelmer (http://www.ricardokelmer.net/). O Museu de Arte Contemporânea de Fortaleza anunciou no Centro Cultural Dragão do Mar uma exibição de obras do artista japonês Souzousareta Geijutsuka, com fotos, instalações, e a proposta de discutir “a harmonia entre a natureza que nasce e morre, empregando equipamentos tecnológicos, para abordar a discussão em torno da fragilidade da vida e suas conseqüentes contradições”. O MAC forneceu à imprensa o email do artista, que concedeu uma entrevista de página inteira a um jornal local. Dias depois, bomba! O artista não existia, era uma brincadeira (ou, mais contemporaneamente, um artifício mimético expondo a fratura metalinguística do capitalismo virtual em que a própria noção de Arte se desmancha no ar) do artista cearense Yuri Firmeza, que não se perca pelo nome.

O Museu coçou a cabeça mas, precavido, admitiu que, sendo a Arte de hoje o que é, aquela era uma proposta saudável e instigante. Quem não gostou foi a imprensa, que engoliu a isca com anzol, caniço e tudo, mas se engasgou com o pescador. Saíram protestos nos jornais, o artista foi chamado de “moleque”, etc. (Cobertura completa em: http://www.dragaodomar.org.br/macce/galerias/2006_01/invasor/index_invasor.htm.)

Olha, qualquer jornalista corre o risco de cair numa dessas. Eu mesmo já caí. Anos atrás, li no “Letras & Artes” daqui do Rio uma entrevista com um fotógrafo alemão chamado Gedencher, que afirmava deixar placas fotográficas expostas ao relento para captar relâmpagos em noites de tempestade. Achei fascinante a idéia, e já estava indo procurar álbuns dele na Livraria Leonardo da Vinci quando recebi um telefonema do autor da entrevista, o escritor cearense Carlos Emílio Corrêa Lima, o qual me segredou que Gedencher não existia, e aquilo tudo era uma pegadinha urdida por ele (o termo que usou foi “metaficção”).

Parece que é coisa de cearense, mas não é. O erudito e respeitável Adolfo Bioy Casares, depois de ler uma resenha de seu amigo Jorge Luís Borges sobre um livro indiano publicado em Londres ( “A Aproximação a Almotásim”), encomendou um exemplar à editora, e só depois Borges confessou tratar-se de metaficção.

A esta altura, já estou me perguntando se o próprio Yuri Firmeza não será um heterônimo de Carlos Emílio. Depois que Marcel Duchamp impingiu um mictório como obra de arte e Borges inventou a falsa resenha, houve uma brusca redução de espaço entre Real e Simulacro, entre Ficção e Não-Ficção, e assim por diante. No caso das artes plásticas, no século 20 houve um enorme esforço coletivo para reduzi-las a “gestos conceituais”, esvaziando-as de tudo que lembre artesanato, trabalho manual, técnica, execução. Ser artista é tentar inventar uma ruptura nova, o que, aliás, só funciona onde essa ruptura nunca tinha sido tentada, ou o fora sem deixar cicatrizes. Parece que em Fortaleza a marca vai ficar.

0896) Canções de Migrante (29.1.2006)

(David Carradine, no papel de Woody Guthrie em "Bound for Glory")

Pense num gênero musical que dá ibope! Neste duplo instante em que escrevo e em que você me lê, caro leitor, dezenas de Canções de Migrante estão tocando nas rádios da sua cidade, da minha cidade, da maioria das cidades do mundo. 

Migrantes são criaturas cantadoras por natureza, espantam seus males soltando a voz nas estradas, lembrando sua terra distante, celebrando o lugar estranho e complicado onde vieram parar. 

“Passe a palheta” na obra de Luiz Gonzaga, e vai ver que metade daquilo são Canções de Migrante, de “Asa Branca” a “No Ceará não tem disso não”, de “No meu pé-de-serra” a “Propriá”. 

E a mais emblemática de todas, o clássico “Pau de Arara”: “Quando eu vim do sertão, seu moço, do meu Bodocó...”

Vozes irão se erguer argumentando que a mais emblemática de Gonzaga é a “Triste Partida”, o épico vidas-secas de Patativa do Assaré, e concordo. Vai ser difícil nomear uma música mais importante que as outras numa discografia tão ampla, e em vez disso prefiro registrar variações sutis sobre o tema. 

Uma que me emociona pessoalmente (porque a cantei milhares de vezes, adolescente cabeludo e provinciano, sonhando em ir para uma Cidade Grande qualquer) é “No dia que eu vim-me embora” do primeiro disco de Caetano Veloso: 

“No dia que eu vim-me embora 
minha mãe chorava em ai 
minha irmã chorava em ui 
e eu nem olhava pra trás...” 

Canção nostálgica e lenta, que se acelera quando o narrador e o Pai rumam para o porto, ele é depositado no navio, e só sabe que está “atravessando, seguindo / nem chorando nem sorrindo, / sozinho pra Capital”.

Aqui, a gravação original (1967):
https://www.youtube.com/watch?v=N1ibNCm3P0A


Canções de Migrante são canções de perplexidade diante dessa Capital babilônia: 

“Quando deixei minha terra e minha família 
eu não passava de um garoto, no meio de gente estranha 
no silêncio das estações de trem 
correndo, assustado...” 
(“The Boxer”, Paul Simon). 

A gravação original:
https://www.youtube.com/watch?v=l3LFML_pxlY


A Cidade atrai, repele, seduz, amedronta. O Migrante fica embevecido com sua novidade, amedrontado com sua estranheza, como canta Maria Bethania em “O nome da cidade” (Caetano): 

“Ruas voando sobre ruas 
letras demais, tudo mentindo, 
o Redentor, que horror, que lindo, 
meninos maus, mulheres nuas”. 

A gravação original:
https://www.youtube.com/watch?v=_nRwXFVRplg


Ele passa a saber melhor quem é: 

“Por ser de lá, do sertão, lá do cerrado 
lá do interior do mato 
da caatinga, do roçado 
eu quase não saio 
eu quase não tenho amigo 
eu quase que não consigo 
ficar na cidade sem viver contrariado...” 
(“Lamento Sertanejo”, Gil & Dominguinhos).

A gravação original:
https://www.youtube.com/watch?v=O6CQsOI2qMg


O migrante não é só o que chega; é o que vai, e não pára mais de ir. 

Woody Guthrie, o grande cantor dos trabalhadores dos EUA, descreve essa vida de mão-de-obra errante em “Hard Travelin’”, cujo narrador trabalha em siderúrgica, colhe trigo, arranca minérios, pilota trem, e assim que perde o emprego pega 3 meses de cadeia por vagabundagem. 

A gravação original:
https://www.youtube.com/watch?v=kfq5b1bppJQ


Já filosofava Jackson do Pandeiro: 

“Mas se eu voltar 
aquela turma lá do Norte me arrasa 
principalmente o povo lá de casa 
que vai perguntar por que é que eu vim-me embora...”

A gravação original:
https://www.youtube.com/watch?v=2gqvFHCoKYk

0895) As Invasões Bem Intencionadas (28.1.2006)

(Alberto Cavalcanti)

Falei ontem aqui sobre o filme Soy Cuba, uma produção de 1962 em que o soviético Mikhail Kalatozov foi a Cuba para rodar um filme comemorativo da revolução de Fidel Castro. O filme foi tão comemorativo que nem cubanos nem soviéticos gostaram. Os cubanos queixaram-se de que havia um excesso de pompa, de formalismo visual, e de que o filme não havia conseguido captar o modo de ser, o modo de sentir dos cubanos. Cuba não se reconheceu na tela, e a piada da época era chamar o filme de “Yo no soy Cuba”. A maestria técnica dos russos não foi capaz de compensar sua compreensível dificuldade de captar o espírito dos “nativos”, de fazer um filme que eles teriam feito, caso dominassem a técnica.

“Invasões Bem Intencionadas” como esta costumam produzir resultados parecidos. Aqui no Brasil, deu-se algo semelhante com a fundação da companhia Vera Cruz nos anos 1950. Desta vez não foi um acordo estatal, foi uma iniciativa privada. A Vera Cruz importou dezenas de diretores e técnicos do cinema europeu e construiu estúdios gigantescos, para tornar-se a “Hollywood brasileira”. Fotógrafos estrangeiros abriram a caixa de filtros e fotografaram os céus mais bonitos que o público brasileiro já contemplou. O resultado da aventura privada-capitalista brasileira não foi muito diferente da aventura estatal-socialista cubana. Mesmo o breve sucesso de O Cangaceiro (1953), premiado em Cannes, não deu à Vera Cruz o principal: retorno financeiro. Impotente diante de distribuidoras estrangeiras e de cadeias exibidoras acostumadas a filmes que faziam sucesso sem fazer força (leia-se: filmes americanos), a Vera Cruz naufragou.

Há semelhanças entre a vinda de Kalatozov para filmar em Cuba e a expectativa que cercou, por exemplo, a volta de Alberto Cavalcanti, brasileiro que havia se tornado diretor importante nos cinemas da França e da Inglaterra. Em momentos assim, espera-se do cineasta um “filme fundador”, um filme síntese, uma obra que reconcilie público e crítica (e que agrade tanto ao governo quanto ao mercado). É justamente essa aliança política repentina, essa convergência de interesses momentâneos, que acaba travando o filme. O cineasta fica numa situação parecida com a dos compositores de Soy Cuba, a quem encomendam uma canção “Alegre... porém melancólica. Cubana... mas universal. Tradicional... mas moderna”.

Revisitar estes filmes décadas depois de esvaziado o momento político que os gerou nos ajuda a vê-los como simples filmes, com suas histórias, suas imagens. E recuperar as virtudes que possam ter nesse aspecto. Quem nos garante que O Canto do Mar (de Cavalcanti) não acabará sendo exumado e coberto de confetes? Soy Cuba só ressuscitou porque Martin Scorsese e Francis Coppola se apaixonaram por ele, promoveram sua restauração e seu relançamento. Mas este já é outro tipo de Invasão Bem Intencionada, que comentarei noutra hora, pra não dar a impressão de que é tudo a mesma coisa.

0894) Soy Cuba - O Mamute Siberiano (27.1.2006)

Em 1932, Sergei Eisenstein desembarcou no México para filmar, financiado por socialistas dos EUA, um grande painel da vida mexicana, que teria o título Que Viva México!. Em 1942, Orson Welles veio ao Brasil para filmar histórias interligadas da vida urbana e rural brasileira, sob o título It’s All True!. Em 1962, o soviético Mikhail Kalatozov partiu para Cuba para filmar quatro histórias interligadas celebrando a recente revolução cubana, em Soy Cuba.

Estes três filmes têm muitas coisas em comum. Todos tiveram história acidentada, cheia de choques culturais e pressões políticas. Todos deram com os burros nágua, de uma maneira ou de outra. Todos foram mais ou menos recuperados décadas depois, e louvados pela sua beleza estética, agora menos dependente do contexto político ou diplomático que lhes deu origem. Histórias tão semelhantes, envolvendo cineastas de tal peso e produções de tal porte, não são coincidência, são reiterações de um fenômeno que faz parte da arte e da indústria do cinema.

Batizo este fenômeno de A Invasão Bem Intencionada. É quando temos, de um lado, uma equipe de rara competência técnica, movida a recursos financeiros e interesse políticos, e do outro lado um país onde, que de uma hora para outra, caem de paraquedas esses “marcianos” repletos de boas intenções, dispostos a celebrar a cultura dos nativos, suas belezas naturais e humanas, e a reinterpretar a História dos nativos de acordo com seus próprios conceitos (e estão pouco ligando para o que os nativos acham, tanto dos conceitos quanto da História).

Está em cartaz no Rio Soy Cuba – O Mamute Siberiano, devotado e emotivo documentário de Vicente Ferraz que reconstitui a terceira invasão acima. Deslumbrados com a luminosidade, o calor humano e a euforia revolucionária na Cuba de 1962, os soviéticos produziram um filme que não descansarei enquanto não vir, porque tem imagens de tirar o fôlego. O diretor Kalatozov, o roteirista/poeta Evtushenko e o diretor de fotografia Urusevsky (para muitos, o “autor” do filme) criaram cenas de tal beleza plástica, filmando em preto-e-branco (com negativo infravermelho usado na pesquisa espacial) que seu estilo mereceu do crítico Scott Rosenberg, de San Francisco, o rótulo de “Realismo Socialista Psicodélico”. (Sobre o filme: http://www.mk2.com/soy_cuba/site.html).

O filme de Vicente Ferraz mostra a tormentosa produção de Soy Cuba, o entusiasmo da equipe, a decepção arrasadora da estréia, a incompreensão do público e da crítica, e finalmente (numa síndrome Buena Vista) o reconhecimento, décadas depois, de sua genialidade. Americanos e europeus passaram décadas equivocando-se com Cuba, considerando-a ou o primeiro degrau do Paraíso ou uma sucursal do Inferno. A invasão da equipe de Kalatozov só começa a ser entendida agora, e o filme de Vicente Ferraz nos ajuda até mesmo a ser mais compassivos com nossas próprias invasões pretéritas. A Companhia Vera Cruz, por exemplo.